2014年1月12日 星期日

卡夫卡_變形記




我覺得就我的角度來看,這本書很悲傷。
書評說葛雷戈因為變成蟲,才能找到真實的自我,
但是我還是覺得很悲傷,因為他就算變成蟲,能放下重擔,他還是無時無刻為他的家人著想,並且沒有怨言。
但是反觀他的家人,卻視他為負擔。
  
其實我沒有想到他在一開始就變成一隻蟲,這是衝擊很大的開頭。
書的前半部有一部份在寫它如何適應當一隻蟲。
我很驚訝他竟然沒有探究自己為何變成一隻蟲,變成蟲也沒有特別讓他感到不快,
只是在掙扎下床的時候還是不停想到他的公司和家人,從這裏我感受到他所負的壓力
。自己變得如何似乎不重要,但是他卻擔心這會給他們家人造成困擾。
  
我無法理解他的家人是抱著什麼樣的心態來看待他,
但是我可以確定他們跟本不是真心把他當成家人,
難道只是視他為搖錢樹?
我無法想像我的父母那樣對待我,他們難道不會難過自己的親人變成如此嗎?
到底是怎麼樣的教育讓他變得如此壓抑?
因為視他為負擔,所以就把他的作為都看成是有敵意的,
我覺得他們會這樣解讀他,只是希望有正當的理由能夠趕走他。
雖然變成蟲之後他不用再負家庭經濟重擔,但是我覺得他的心裡卻始終沒有自由過,還是被緊緊綁在家庭。
  
人們好像容易忘記別人對自己的好和付出,並且視為理所當然。
但是當那些人再也無法付出、兩者角色對調後,就只記得自己必須對他們們付出,然後感到不耐煩。
葛雷戈變成蟲之後的確替家人帶來不少麻煩,他會因家人在他死後找到新的生活而到開心嗎?
我想他到最後死了,才是他真正的自由,諷刺的是他的家人也自由了。
  
看完這本書我想起的是我的父母。
我不知道這樣比擬正不正確,但是我真的覺得葛雷戈真的好像我的父母,
只是我覺得葛雷戈的想法是被迫灌輸的,和我爸媽不一樣。
我們這些小孩現在是他們的重擔,讓他們無法做自己,
但是他們又不會因此有怨言,努力的想給我們更好的生活,
我想我要好好的記住這一切,因為將來會有角色對調的時候。
我不希望自己像葛雷戈的家人一樣,對大蟲做的只有不甘心的飼養,然後暗自盼望他能自己離開。

Into The Wild



就算過了很久
我還是無法忘記當初看這部電影時的感動和衝擊

Chris是一個與眾不同的人
他努力達到世俗對他的期望之後
便毅然決然地離開





我覺得每一個人都期待出走
卻沒有勇氣和那股傻勁
我想也是因為如此
對於這部電影才會那麼有感觸



電影的最後是Chris生前的自拍照
他看起來是多麼滿足
也似乎對自己的壯舉感到驕傲
或許會有人覺得他很笨
太瞧得起自己瞧不起大自然
但在電影中
他對於走入荒野中的渴望
以及因為自然而深受感動的樣子
已經無法辨別他的決定是對是錯
只是很遺憾 一位那麼特別的人從此離開世界
無法向世人直接傳達所遇


人 似乎中就離不開人
我不曉得Chris離開前的最後在想些什麼
是不是開始懷念他原本厭惡的世俗?
還有家庭給他的一切牢籠


"Happiness only real when shared"


Luc Besson_The Big Blue



這是我去年暑假在石梯坪看的電影

這部電影說的是海洋、生態、人類、親情友情愛情
還有主角渴望自由與大自然相伴的心

或許是娛樂性質高的商業電影
但仍然帶給我莫大的感動



從石梯坪回來之後
我開始想念海洋
即使在這幾天內我也只是在岸上看著
但是海洋好像就象徵自由一樣
讓我稍稍明白主角渴望海洋的心情


我想他不斷地想回到海裡
除了自己的希望
也是為了父親、好友





2014年1月6日 星期一

亞洲巡弋





亞洲巡弋

多種藝術想像的融合
有利用光影改變空間的作品
也有作品利用空間改變情緒



思考台灣的生活環境

以及靜態、
單純解讀自己的感受




當代_後人類欲望




後人類欲望

一、後人類時代的身體概念與性別意識
二、後人類時代的慾望指涉與實踐模式
三、後人類時代的生命繁衍與死亡超越

說的是人類對於未來的幻想
也重新定義生命的發生與意義




展場充滿詭譎的氣氛
讓人對未來充滿想像
卻又感到畏懼

在展場中
有些作品讓我對於人感到敬佩
有些又不得不以更加嚴肅的眼光反思













Sol Lewitt


Sol Lewitt    

(1)   Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?
       (他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

(2)   介紹Sol Lewiit的作品。
         
(3)   相較於極簡藝術,Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

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(1)   Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?
       (他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

Sol Lewitt的作品中,可以看出一種規律,在複雜中有一種簡單來貫穿,
在簡單中又以重複來複雜,這是受到極限主義影響,極限主義用稱基本構成,
帶著反瀾漫自然再現的創作,主張以理性的幾何線條打破過度感性的過度矯飾。

極簡主義發展後來有兩種方向,一種是朝向物體的本質,另一種則前往了思想的核心,
Sol Lewitt顯然是後者,他認為好藝術往往大道至簡,而觀念藝術的呈現把藝術單純到
一種想法的簡單呈現,他曾說過

The artist may not necessarily understand his own art.
His perception is neither better nor worse than that of others.
(藝術家未必完全明白他自己的藝術。他的看法是既不比別人更好,也不更壞。)

The artist's will is secondary to the process he initiates from idea to completion.
His wilfulness may only be ego.
(開始到完成,藝術家的意志是次要的,自我只是一種任性。)」

在呈現中捨去了個人化,以幾何線條或色塊呈現,最終要表達的並非絕對的理性,
Conceptual artists are mystics rather than rationalists.
They leap to conclusions that logic cannot reach.
(概念藝術家是神祕主義,而非理性主義,它是飛躍而非能以邏輯來思考的。)

這一切都只會為了表現背後的觀念,以及把詮釋藝術的權利,給予觀者。




(2)   介紹Sol Lewiit的作品。


索爾·勒維特(Sol LeWitt)作品展“Arcs and Lines”在紐約Paula Cooper畫廊展出。

 所有具有改革意義的作品都將藝術與成為一件物品的條件分離開來,
並且將觀眾的注意力集中到清晰地闡述了思維的審美形式上。

      在上世紀70年代及80年代早期,勒維特主要使用了直線、折線、虛線以及圓弧
      來創作作品,色彩選擇主要是黑色以及紅、黃、藍三原色。
      在這場展覽中展出的三件作品研究了被畫下的線條。在畫廊的前展廳中,
      分別包含了有色直線與圓弧的相同網格構成的作品(Wall Drawings #392#393
      被和諧地組合在一起。



 Wall Drawings #392#393

  這件作品“全是兩條直線、弧線以及折線隨意交叉、佈置的結合”,
  因此牆面上呈現出150多個獨特的線條組合。

  勒維特在他的藝術生涯中創作了一系列徹底改變且豐富了當代藝術定義本身的
  牆畫作品。這些直接繪製在牆上、但與濕壁畫藝術有明顯區別的作品是對一種
  觀點的暫時性表現。

(3)   相較於極簡藝術,Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

 「Banal ideas cannot be rescued by beautiful execution.
       (平庸的想法不被美麗的表象拯救)

 還給觀者想像與詮釋作品的權力,有時也意味著作品可以被任何人任意複製,
 除非,他的想法是特別的,無法複製的。

 如果作品本身是身體,那想法就是精神與靈魂所在,只要觀者願意探尋其核心,
 粗糙的呈現也會泛上金光。

Josef Alber & James Turrell

Josef Alber 與 James Turrell 專題

 1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究

3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

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 1) 這兩位藝術家各自的創作背景與創作媒介


  Josef Alber一生致力於藝術教育,
  他先後任教於德國包浩斯、美國黑山學院、哈佛大學、耶魯大學,
  其中包浩斯的影響最為深刻,他在32歲那年才當了包浩斯的學生,
  並在畢業後於此任教,後來納粹因包浩斯太『不德國』,而將學校解散,
  於是Josef Alber移民去了美國,
  一併把包浩斯精神帶去,對美國與世界都有深遠影響。
  而他的創作媒介與其說是用什麼方材料,不如說就是色彩本身,
  也許是對於學習的熱誠,他對色彩研究非常深入,
  並用不同色的方塊等距內縮,感受色彩與排列的變化。

  James Turrell出生於高知識分子家庭,他在16歲那年就已經拿到飛行員執照,
  並學習知覺心理學、數學、地質學與天文學。
  他的家庭與受教程度對他的創作有很大的影響,他的作品以光作為素材,
  他曾說『我將光當作一種材料, 但是感知才是我的媒介。
  我希望你能看你所看,感你所感。』
  ,其中最著名的莫過於至今仍在繼續的「火山口」計畫,
  將一個死火山口改造可見的天文台。

  James Turrell的其他作品通常會將觀看者封閉在空間中,
  控制光線使觀看者透過光線變化對環境有不同的感受。

2) 這兩位藝術家如何在作品中進行色彩的探究


  Josef Alber眾所皆知的是他對視覺色彩研究的投入,並捨去繁複的繪畫形式,
  將純粹與簡約帶入畫中。
  他最為著名的是《向方形致敬》(Homage to the Square)系列,
  他將不同色彩的方形以同心的方式內縮,呈現出相對位置與色彩的關係。
  「他精確地計算了每塊顏色區域的面積,設計好他們之間的對比,
  將顏色同樣不加調和地直接刮到畫布上,三個或是四個同心方由內向外擴展。
  為達到色彩的精確性,他甚至記下了這些顏料的生產廠家和名稱在畫布的背面。」*1
  對美國抽象藝術有著極度深遠的影響,
        也成為美國「歐普藝術」(OP Art)與「硬邊藝術」(Hard-edge painting)的先驅。





        James Turrell以光為材料,感知為媒介,由此可知色彩是為了創造觀看者的感覺,
        由於James Turrell曾經學習感知心理學,因此在創作上大量運用色彩與視覺營造錯視,
        由這美麗的錯誤中影響人的心理感受。




                                         3) 比較這兩位藝術家的創作過程與展出方式

         Josef Albers 作品的展出方式如同他作品一樣純粹,整齊並列掛在牆上,
         是屬於一般美術館展覽的形式。
         他作品研就是非常嚴謹、細心的,
         有時畫作必須凝視非常久才能看出顏色之間的差異。




          James Turrell曾說:「有時候在觀看某些東西的時候,我會有點急躁。
          老實說,蒙娜麗莎在洛杉磯展出時,我只看了13秒。
          但是,你知道的,現在有一個慢食運動。或許我們可以來個慢藝術運動,
          花一個小時來欣賞作品。」


         「我的作品是創造一個空間讓光得以棲息,而觀者如何面對這個空間。
           通常,我們張著眼,卻對光線視而不見,這提醒了我,
           我們必須要有另一種觀看的方式。」*2

            James Turrell跟Josef Albers 作品觀看方式兩邊有個共通點,
            都必須長時間的凝視、觀看,才能體會出其中所隱藏的秘密。

            但不同的是,Josef Albers是平面的視覺,James Turrell則是必須走進去空間中。
            他的作品已經不再是觀看,而是去體驗。不只是眼睛去看整個空間,
            甚至可以在空間中隨意走動,讓身體去感受空間給你的感覺。

*1 引用於:http://blog.artintern.net/article/139538

*2 引用於http://www.mottimes.com/cht/article_detail.php?type=0&serial=857